• 40 x 40 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad" 
• VENDIDO

La obra evoca una historia nacida en la frontera entre mito y realidad: la leyenda según la cual Alejandro no solo era hijo del rey de Macedonia, sino descendiente de Zeus, un semidiós cuyo destino fue determinado por la fuerza divina desde su concepción.

En el centro de la composición aparece un arco rojo brillante —una media luna que simboliza tanto el sello del rey Filipo, padre de Alejandro, como el útero de su madre, Olimpia. En él se integra la esfera dorada: el embrión, la semilla divina que lleva la chispa de Zeus. El resplandor dorado irradia la pureza de la nueva vida y la luz de la predestinación.

Las líneas doradas diagonales atraviesan el campo pictórico como lanzas, como rayos: las fuerzas de la concepción divina que perforan el arco rojo, fecundando el principio femenino. Los rayos del cielo fijan aquí, en el mundo terrenal, la promesa de la inmortalidad.

El profundo azul de fondo evoca la infinitud del universo: el escenario donde realmente se desarrolla la historia. En este espacio oscuro y eterno, la leyenda se convierte en realidad: el sueño de Filipo, Zeus apareciendo en forma de serpiente, y el nacimiento acompañado de tormenta, todo se condensa en un único drama catártico.

El rojo representa el deseo humano y el cuerpo, el oro la santidad y la inocencia, y el azul el color de la eternidad que descansa en silencio.

En esta trinidad se expresa el misterio del origen de Alejandro: una historia que porta a la vez miedo humano, designio divino y fuerza creadora de mitos.

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - en busca de los mitos y la realidad"
• VENDIDO

La fuerza expresiva de la obra literalmente envuelve el lienzo en llamas. La composición se divide en dos unidades principales: la estructura dorada de la izquierda, que evoca la pureza sagrada y atemporal del templo, y la ondulación hipnótica de los rojos y azules profundos de la derecha, que también portan la simbología de la destrucción y el destino. No hay transición armoniosa entre ambas fuerzas; al contrario: el encuentro de las dos energías genera una chispeante y explosiva energía.

El punto de partida de la pintura es un momento histórico: en el año 356 a.C., en la noche del nacimiento de Alejandro Magno, el templo de Artemisa en Éfeso, uno de los santuarios más maravillosos de la antigüedad, ardió en llamas. Según la interpretación de los magos persas, el fuego no fue casual: nació alguien que traería destrucción a imperios y pueblos, y redibujaría el mapa de la historia. La leyenda dice que el templo pudo arder porque su diosa estaba ayudando en el nacimiento de Alejandro – así el nacimiento del niño se convirtió en la sombra de la destrucción de un lugar sagrado. Esta explicación mítica resuena en cada vibración del lienzo.

El campo rojo de la derecha – el color de las llamas vivas y furiosas – puede interpretarse también como un ataque contra el orden divino: el nacimiento humano y la destrucción del templo divino se proyectan uno sobre otro. De las llamas emergen sombras azules: las cenizas que quedan tras el fuego, el duelo y el matiz trágico del futuro. La inmensidad azul que se extiende hacia el infinito advierte: la llama no es solo luz, sino también destrucción inevitable.

En el lado izquierdo visto de frente de la obra, la superficie fragmentada de oro y blanco evoca la pureza del templo, así como la presencia de Artemisa. El oro conserva los últimos vestigios de lo sagrado, y el cuadrado rojo que se inserta en el centro de la composición –el motivo del altar– protege el espacio sacro: todo permanece en la memoria de la historia.

La obra es en realidad una profecía visual alusiva: el lado izquierdo representa el orden divino, defendido por la santidad del altar, y el lado derecho la violencia histórica. El nacimiento de Alejandro es un punto de inflexión de una era – un fuego que lo cambia todo, pero que también lo consume todo.

La creación documenta y profetiza al mismo tiempo: evoca una de las noches más dramáticas del pasado, mientras despierta en el espectador la pregunta: ¿acaso todo gran nacimiento lleva en sí la promesa de la destrucción?

• 50 x 50 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - en busca de los mitos y la realidad"
• VENDIDO

En la obra titulada "El fuego", el mito y la visión sacra se funden en una sola superficie vibrante. El cuadro no solo capta la naturaleza destructiva y creadora de la llama, sino también uno de los principios primordiales del universo: esa fuerza divina sin la cual no es posible ni nacimiento, ni destrucción, ni transformación.

La composición está dominada por dos polos: la superficie dorada de la izquierda irradia una estabilidad atemporal e inquebrantable, de la cual emerge como un altar el cuadrado carmesí –el absoluto–, símbolo de la santidad y el juicio. Este cuadrado es un motivo recurrente en varios ciclos, que encarna la medida divina situada por encima de las aspiraciones humanas.

Sin embargo, en el espacio de la derecha el fuego ruge: todo se disuelve en tonos rojos, naranjas y ardientes, mientras que los estallidos de azul y blanco evocan la purificación, la ascensión hacia el cielo y la posibilidad de elevación. Las formas verticales se elevan hacia el cielo como lenguas de fuego.

La imagen evoca al mismo tiempo el interior de los santuarios, donde ardían las llamas de los sacrificios ofrecidos a los dioses, y aquellos campamentos de guerra donde los soldados de Alejandro se reunían alrededor del fuego – como símbolos de conquista y destrucción. Así, "El fuego" no es solo un elemento natural, sino una metáfora universal de la historia, el mito y el destino humano.

La energía vibrante del lienzo habla de que todo poder, toda grandeza y todo imperio se mide por el fuego: se eleva a la luz de la fuerza divina y en esa misma luz se convierte en polvo.

• 81 x 70 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

El cuadro emerge del tejido de leyendas y silencios. Olimpia, quien en vida y en muerte permaneció como la mujer de los misterios, nunca respondió a la pregunta que podría haber determinado el futuro de su hijo y su imperio: ¿realmente era Alejandro hijo de Zeus?

Según la tradición, incluso Roxana la interrogó sobre esto mientras huía tratando de salvar al pequeño Alejandro IV, pero Olimpia se llevó el secreto a la tumba.

La composición cerrada del lienzo encarna el propio secreto: un espacio construido por formas cuadráticas que se entrelazan y son impenetrables, en cuyo centro brilla el cuadrado rojo: la santidad del altar, el sello del origen divino. Este cuadrado alude al poder de los dioses invisibles y a la verdad no dicha, que nunca se convirtió en certeza.

En la parte superior derecha del cuadro aparecen superficies doradas rasgadas, como un telón teatral que se abre ligeramente pero nunca se revela por completo. Detrás de las grietas de la fractura dorada vibran colores turquesa: el campo de la verdad oculta, al que sólo los mitos y las creencias permiten acercarse. La simbología del telón dorado aparece aquí por primera vez en el ciclo: el velo entre dioses y mortales, que sólo las leyendas pueden levantar por unos instantes.

Las estructuras oscuras y profundas de la región inferior portan el destino codificado. Desde abajo irrumpe una fuerza gigantesca que señala la lógica implacable de la historia: la luz de los mitos siempre va acompañada de sombra, y la promesa de gloria está amenazada por la posibilidad de destrucción.

Así, “El secreto de Olimpia” alude al misterio del nacimiento, al origen divino del poder y a la presencia implacable del destino. El silencio y el secreto están presentes en cada capa de color del cuadro: la historia no da respuestas claras, sólo símbolos que insinúan lo indecible.

• 2 x 60 x 60 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

Estos dos lienzos - colocados uno al lado del otro - conducen al espectador a una sala de audiencias imaginaria. Ante el observador se presentan los testigos y acusados del pasado.

En el panel derecho, se agitan los golpes de la historia: remolinos, superficies doradas desgarradas aquí y allá, corteza, óxido y marrón tierra, entre líneas blancas y cortantes: las cuchillas agudas del destino y la fatalidad cortan la tela del tiempo. Aquí resuena (336 a.C.) Aigai, el anfiteatro donde el pueblo se reunió para ver y saludar a su gobernante. Filipo, el rey macedonio, se acercaba al estadio con pasos heridos, cuando Pausanias, su propio guardia, corrió hacia él y apuñaló al rey en el pecho con una daga.

El panel izquierdo, con tonos más oscuros y profundos, guarda la sombra del crimen cometido. El campo rojo superior, un cielo lleno de sangre, pesa gravemente sobre la composición. Aquí la narrativa ya no trata de los hechos, sino de la pregunta que durante dos mil años ha perseguido a los historiadores: ¿es posible que Alejandro, uno de los conquistadores más brillantes de la historia, fuera cómplice de la muerte de su propio padre?

Así, el díptico es un doble diagnóstico: el primer lienzo representa la fuerza arrolladora del momento del acto, el segundo la incertidumbre, la sospecha y la pesada, irresuelta pregunta de la historia. El símbolo del ciclo infinito del tiempo también aparece en la región superior derecha de la composición, esta vez bajo el signo del juicio: el oro como la rendición de cuentas divina, las líneas blancas y cortantes como la declaración de la gracia que sostiene. Entre los dos paneles se tensa la grieta invisible donde la certeza se interrumpe y donde el arte - al igual que la historiografía - sólo puede llenar el vacío con conjeturas.

• 80 x 80 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

El cerebro humano está codificado: sólo puede pensar en términos de límites y en una sola línea de tiempo, donde todo va del pasado al presente y al futuro. Pero, ¿qué ocurre si el tiempo se quiebra, o está destinado a revelarse en un ciclo espiral, en repeticiones, o en unidades indescifrables para nosotros?

La pintura de Tamás Náray, 'Bucle temporal', plantea esta pregunta a la luz de la vida de Alejandro. ¿Qué hacer con la paradoja de que en sólo treinta y tres años de existencia terrenal logró hazañas que trascienden una vida humana? ¿De dónde vino, qué fuerzas lo formaron y realmente vino a nosotros como hijo de los dioses?

En el centro del lienzo brilla la santidad del altar, como punto fijo de la historia de la creación, que une el cielo y el mundo terrenal. Desde allí desciende la franja negro-azul-roja: el negro sombrío del destino, el azul de la voluntad divina y el rojo sangre de los sacrificios entrelazados, que llevan la esencia concentrada del camino de Alejandro.

A la izquierda, en la profundidad de la pintura, aparece una imagen de ultrasonido: la silueta de un útero femenino con el contorno de un feto. Este motivo alude tanto al misterio de los comienzos como a las leyendas divinas que rodean su nacimiento, que sugerían la presencia de Zeus en la cámara de Olimpia. La luna creciente dorada que lo cubre es símbolo de la voluntad divina, que ya en el momento del nacimiento marcó el camino de Alejandro.

A la derecha del cuadro aparecen planos superpuestos de estructuras doradas y blancas rotas, como las capas de tiempo de la existencia terrenal, que fluyen imparablemente pero siempre convergen en el mismo final. La estructura del cuadro sugiere que el tiempo no es lineal, sino circular, y en este círculo la figura de Alejandro aparece una y otra vez, pero para cada época con un significado diferente.

La obra es así una visión sobrenatural y un drama humano. Una visión de que hay vidas tan extraordinarias que sólo pueden entenderse verdaderamente en una espiral temporal repetitiva.

• 80 x 80 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

La pintura titulada 'El otro reino’ en la serie 'Alejandro Magno – Imperator Ultimus’ es la representación visual de la visión y la profecía del destino: una alegoría del punto de inflexión espiritual de Alejandro, quien ya de niño mostraba habilidades excepcionales.

En la superficie del lienzo, la profundidad azul, la inmensidad del Universo proporciona el fondo. En este azul aparece una forma rosada, a veces translúcida: como si viéramos los contornos de un mapa – se insinúan las siluetas de Europa y Asia, como promesa de un mundo aún por conquistar. El resplandor rosado sugiere al mismo tiempo la pureza de los sueños infantiles y los deseos ardientes del gobernante en crecimiento.

Los fragmentos y texturas doradas alrededor de esta forma, como un sello divino, indican el designio del destino. El oro aquí no es solo un elemento decorativo, sino el resplandor del destino: la aprobación de los dioses, que une continentes, mares y océanos. La fractura dorada sostiene la trama del universo, marcando el camino de Alejandro, que va más allá de las fronteras de Macedonia.

La naturaleza visionaria de la pintura, su superficie opalina y fragmentada, crea la sensación de mirar al futuro de forma nebulosa, pero con una certeza inquebrantable. Miramos a través de una bola de cristal, viendo cómo los contornos casi se dibujan.

En la obra también vibra la historia del oráculo de Delfos: el joven rey que exige una respuesta, y la frase pronunciada por la sacerdotisa – “¡Eres invencible, hijo mío!” – parece confirmar la visión. Así, la imagen es a la vez pasado y futuro, juego infantil y plan imperial, deseo humano y profecía divina, una mezcla arremolinada.

'El otro reino’ es una visión soñada sobre el lienzo: un mundo que la ambición, la fe y el destino de un solo hombre unieron, y que ya entonces, de niño, ardía en su imaginación - por designio divino - ya brillaba ante él.

14. Tras las huellas de Aristóteles

• 120 x 120 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

La pintura titulada 'Tras las huellas de Aristóteles' es una alegoría de los fundamentos espirituales del conocimiento, la lógica y la conquista. No solo evoca la relación entre maestro y discípulo, sino también ese legado intelectual que se convirtió en el terreno fértil de las acciones transformadoras de Alejandro.

En el centro de la composición domina una franja roja vertical, formadora de fuerza: una columna ardiente que evoca tanto el fervor de las conquistas como la severidad de las enseñanzas de Aristóteles. En ese rojo vibra también la declaración: para los griegos, se necesita un líder; para los bárbaros, un tirano – un consejo pragmático pero implacable que resonó en las decisiones de los campos de batalla.

Detrás y junto a la columna roja brillan superficies doradas: símbolos de las capacidades otorgadas por los dioses y del conocimiento. El oro, como valor eterno, cubre el lienzo con un resplandor atemporal, donde los pensamientos y la inspiración divina se funden en uno. La superficie dorada fragmentada sugiere que el conocimiento no es fácilmente accesible, sino que se revela a través de la lucha y el descubrimiento de capas.

Las estructuras lineales negras y blanco roto sugieren una severidad arquitectónica: se perfila la imagen de una construcción matemática, un orden lógico. Estas formas son símbolos del pensamiento estratégico: la táctica, la planificación previsora y los fundamentos de la guerra psicológica.

La superficie homogénea pero vibrante del lienzo se completa con la atemporalidad de los tonos beige cuarzosos: el conocimiento es eterno, inmutable y sólido como un diamante. En esta estructura aparece uno de los elementos más enigmáticos de la pintura: el pequeño cuadrado turquesa oculto en la columna roja. Este símbolo sagrado aparece aquí como un altar, que es la puerta al mundo celestial. El oro que contiene simboliza el giro hacia lo divino, la libertad y la elevación del alma.

La pintura habla a la vez de la disciplina de la mente humana y del poder que surge del conocimiento. El mensaje de la obra: el conocimiento del mundo y la conquista no pueden separarse – en el conocimiento reside la verdadera fuerza del líder, que sobrevive a tiempos y reinos por igual.

• 80 x 120 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

La pintura es una extensión de la metáfora de la intimidad, la lealtad y el amor sagrado. No es solo la representación de un episodio histórico, sino de un gesto atemporal en el que el amor, la amistad y el orden divino se entrelazan en un solo movimiento.

En la parte superior y opalina del lienzo flota una esfera brillante en tonos ciclamen, fucsia y rojo: un cuerpo planetario, símbolo celestial de las emociones. Esta esfera flotante desciende visiblemente de otra dimensión, indicando que la relación entre los dos hombres, Alejandro y Hefestión, ha trascendido los límites de la amistad terrenal y se ha elevado al reino del amor etéreo.

Debajo se extiende el horizonte severo de montañas grises y heladas. Sin embargo, en medio del paisaje frío se eleva una cima dorada, en cuyo costado hay un misterioso ojo que todo lo ve: testigo trascendental, la mirada divina ante la cual nada puede permanecer oculto. Este ojo es el silencioso testigo de la historia: la alianza de los amantes no solo la registra la tierra, sino también el cielo.

Desde la base de la montaña ascienden líneas doradas: son canales de energías divinas, hilos de luz que se mueven entre el cielo y la tierra y que santifican la relación de los dos hombres. Estos hilos dorados son signos de aprobación, bendiciones de los dioses.

La historia, que fue preservada por Plutarco, aquí se convierte en una alegoría pictórica: "En ese momento, Hefestión sostiene el rostro de Alejandro Magno en su palma, y el rey sella el vínculo de su amor con su anillo y luego con el toque de sus labios."

La esfera es el planeta de la pasión, la montaña es el testigo divino, y los hilos de luz son las energías del universo que fijan el juramento.

El cuadro titulado “El sello” va más allá de la mera representación simbólica o abstracta de un momento íntimo. El sello aquí es un testimonio universal: los lazos humanos más profundos –por muy secretos que sean– siempre están bajo la luz de la eternidad.

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

El espectador se encuentra ante una de las piezas más líricas del ciclo, el cuadro titulado 'Mieza - El templo de las ninfas' , que evoca el santuario de la juventud y las raíces del espíritu.

Mieza, donde el joven Alejandro fue educado bajo la tutela de Aristóteles y donde, junto a su amigo Hefestión, vivió las experiencias más profundas de la infancia y la juventud. Según el testimonio de la historia, Mieza no era solo una escuela – en palabras de Plutarco, “el santuario de las ninfas” –, sino un bosque sagrado donde la filosofía y la naturaleza se unían en una mística armonía.

Por eso, la obra es más que una abstracción paisajística: es también un mapa invisible dibujado con tinta de conocimiento, amistad y amor.

La gama cromática del cuadro proyecta esta dualidad: los verdes profundos, exuberantes y a la vez aterciopelados evocan la vida eterna de la naturaleza y la presencia invisible de las ninfas, mientras que la superficie etérea y pura que brilla a la derecha es símbolo de la inocencia. Entre ambas se extiende una especie de fractura vertical: la puerta de la cueva, es decir, la grieta mística del nymphaeum, de donde brota la inspiración divina. Esta fractura es también un límite: el campo blanco y puro separa el mundo inocente de la infancia y el jardín del despertar espiritual, emocional y corporal.

La esfera color ciclamen, que flota intemporalmente en el espacio verde-azulado, no es otra cosa que el símbolo del amor, el deseo y las energías espirituales y emocionales. Esta forma arremolinada, pero perfecta y ultraterrena, indica que aquí no solo se impartía enseñanza: aquí se tejió ese lazo íntimo que unió a Alejandro y Hefestión para toda la vida.

La esfera porta tanto la luz del conocimiento como el calor del amor, la esencia común de la philia y el eros en sentido platónico.

Las manchas doradas que aparecen en la esquina inferior derecha evocan el recuerdo de los santuarios y columnatas antiguas: la presencia divina oculta en el corazón de la naturaleza, que también envolvía el misterio de los pórticos y las cuevas. Esta luz dorada es también un marco sagrado.

En toda la imagen domina la simbología de los colores: el verde es vida, crecimiento, exuberancia natural; el azul es profundidad y pureza de pensamiento; el oro es luz divina; el ciclamen es la semilla oculta de los sentimientos. Las capas que se funden entre sí evocan la atmósfera palpitante y atemporal del jardín de Mieza.

Este cuadro es la estación lírica del ciclo: mientras que otras imágenes capturan el fuego de la pasión, la lucha y la tragedia, aquí el espectador puede entrar en el lugar sagrado de los comienzos, donde el conocimiento y el amor, la filosofía y la juventud nacieron juntos en luz y sombra.

• 100 x 81 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
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La pintura titulada “Consiliatus Imperius” captura la dualidad entre el poder y la intimidad: la tensión en la que, sobre el escenario de la historia, los sentimientos humanos, el apego y la belleza también cobran protagonismo. Narra el encuentro de Alejandro y su compañero, Euxenippus.

En la región superior, una corriente de verde intenso desciende una cascada de oro: en ese momento, las luces de las esferas celestiales se disuelven en la tierra. Los verdes simbolizan la juventud y la fuerza fresca, que también pueden interpretarse como una metáfora de la figura de Euxenippus, mientras que los destellos dorados llevan la promesa de la elección divina; sin embargo, su luz fragmentada y dispersa sugiere que aquí falta algo para el pleno resplandor.

En la esquina superior izquierda late un bloque rojo ardiente, que, como mancha de pasión y deseo, atrae la mirada: en él está la fuerza, la luz y el verdadero carisma, todo aquello con lo que se medía al joven Euxenippus.

En el centro de la composición atraviesa una franja de mármol ejecutada con delicadeza sensual, enmarcada arriba y abajo por una pesada incrustación dorada, como si delimitaran un marco: una línea divisoria entre la realidad terrenal y las relaciones ordenadas por el cielo. El oro evoca la presencia del orden divino: recordando que incluso los lazos más personales son parte del gran tapiz de la historia.

En el título, “conciliatus” evoca al amigo, al amante íntimo, mientras que “imperius” señala la perspectiva imperial. Así, la obra une dos esferas: el mundo público del poder y las relaciones humanas íntimas y frágiles.

El lienzo evoca tanto las historias personales ocultas en la sombra de los triunfos como el misterio en el que la historia y la emoción se entrelazan inseparablemente.

20.1. El sueño de Hefestión

• 120 x 80 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

La pintura titulada “El sueño de Hefestión” es una de las piezas más enigmáticas del ciclo: donde la amistad, el destino y el sino se entrelazan de manera misteriosa en forma visual.

El lienzo, como una visión mítica, nos revela la lucha interna que acompañó la juventud de Hefestión, cuando su padre lo envió a Mieza a estudiar con Aristóteles. El motivo del sueño es a la vez presagio y profecía interna, que ya había trazado de antemano las principales etapas de su vida: el encuentro con Alejandro y el trágico final que trajo la traición de Roxana.

En la parte inferior de la composición se extiende la calma de una bahía marina blanca, hacia la orilla se dirige una raya dorada, como mensajera del sueño que transmite el mensaje. En el fondo se eleva un bloque rojizo –símbolo místico de la cordillera Vermion– que evoca tanto la fuerza ancestral de la tierra como la premonición de futuras luchas. La esfera incandescente y turbulenta, en cuyos colores laten mil matices de rojo, aparece ya en el sueño como el núcleo ardiente del destino: una promesa de encuentro y, al mismo tiempo, símbolo del sino.

La región superior cubierta de verde representa las fuerzas ilimitadas y casi atemporales de la naturaleza, sobre las que se extiende el resplandor dorado de la luz. Aquí el sueño no es solo una experiencia personal de Hefestión, sino una visión mítica que conecta la existencia humana con los poderes divinos.

Así, la pintura narra a la vez la lealtad y la traición, la pureza de la amistad y la inevitabilidad del destino. “El sueño de Hefestión” es una visión en la que el joven amigo aún no sabe que la esfera resplandeciente detrás de él no solo señala el encuentro más importante de su vida, sino que también es portadora del desenlace.

22. India

• 140 x 140 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

El cuadro titulado “India” de Tamás Náray plasma en el lienzo la magia del descubrimiento y la extrañeza, tal como Alejandro y su ejército se encuentran por primera vez con la exuberancia del mundo oriental. La pintura rebosa de colores: los verdes vibrantes y los rosas intensos evocan la vegetación exuberante de la jungla, donde la luz juega sobre los troncos de los hibiscos y los pétalos de flores exóticas. Las flores parecen estallar desde la superficie del cuadro, como si fueran organismos vivos que revelan las maravillas de la tierra desconocida ante los ojos de los conquistadores.

Sin embargo, las formas vegetales representadas en el lienzo no solo ofrecen una visión botánica, sino que también portan un significado alegórico. Los pétalos de orquídea, que brillan desde el rosa hasta los tonos púrpura y violeta, son símbolos de belleza y fragilidad: evocan aquellos momentos en los que la asombrosa generosidad de la naturaleza se inserta entre las crónicas escritas con sangre de la campaña.

Para los ejércitos de Alejandro, India fue a la vez un paraíso terrenal y una dura prueba. El vibrante desfile de flores en el centro de la pintura no solo muestra el asombro ante la riqueza natural, sino también la paz momentánea del conquistador: ese estado en el que, en medio de las guerras, el alma descansa ante la belleza.

La paradoja de la obra radica en que, aunque la campaña dejó recuerdos amargos, en la memoria perduraron los paisajes y las flores de la India de cuento de hadas. Los tonos rojos en la región inferior insinúan la presencia ineludible del sacrificio y la lucha, recordando que el precio de la belleza siempre va acompañado del recuerdo de la destrucción.

El cuadro “India” es más que una representación de un mundo geográfico lejano, es más bien un espejo interior: también es el reflejo del mundo espiritual de Alejandro, quien al mismo tiempo anhelaba la conquista y deseaba la armonía de la belleza. Un mundo idealista, donde incluso a la sombra de la espada florece la naturaleza divina.

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras las huellas de los mitos y la realidad"
• VENDIDO

El mensaje del lienzo se revela ante el espectador como si los dioses hubieran corrido una cortina imaginaria de oro puro: a la izquierda, la textura pergaminosa y perforada cae con un brillo metálico, como un telón de teatro tras el cual se despliega el escenario de los mitos.

En el centro de la composición, el azul infinito del mar y el resplandor turquesa del cielo se funden, es decir, los dos elementos del horizonte del mundo mortal se convierten en uno solo, más allá del cual solo existe el reino de los dioses.

Como punto focal de la composición, la cima rojiza de la montaña se eleva hacia lo alto: granito ardiente, nacido del vientre del planeta como una onda de choque misteriosa: el monte Vermion, la cumbre sagrada que, según la tradición antigua, fue levantada por las manos de los dioses desde las profundidades de la tierra. Su color rojo es el del fuego, la sangre y la energía divina: un signo mágico que promete refugio a los marineros desde lejos, y sobre el que también cantaron las epopeyas homéricas.

La tensión creada por el gesto pictórico entre la monumental franja dorada y la cima roja de la montaña representa el encuentro entre el misterio y la revelación: el acto de transmitir el conocimiento que presenta el artista; pues aquí, a la sombra del santuario llamado Mieza, en las laderas del monte Vermion, se fundó la academia donde Alejandro y sus contemporáneos - Ptolomeo, Hefestión, Casandro - fueron instruidos en sabiduría, estrategia y la conquista del mundo. Así, la montaña se convierte al mismo tiempo en fuente de conocimiento y símbolo de poder: quien alcanza la cima es investido con la protección de los dioses.

En realidad, todo el campo visual es un escenario sagrado: a la izquierda el telón, en el centro el escenario es la montaña ardiente, y alrededor se extiende el infinito azul del cielo. Aunque la presencia de los dioses no se representa en forma concreta, el espectador también se convierte en parte de este misterio: siente que, al otro lado del lienzo, un conocimiento atemporal espera a quien sea lo suficientemente valiente como para alcanzar la cima de la montaña.

La "Leyenda del monte Vermion" no es simplemente una representación abstracta de un paisaje imaginario, sino una invocación visual: una alegoría del nacimiento del helenismo, del misterio del conocimiento y del toque divino en el destino humano.

26. La barca macedonia

• 146 x 96 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

No toda victoria conduce al triunfo: hay momentos en que el curso de la historia hace retroceder al conquistador. En la pintura, la barca no habla de avance, sino de un regreso forzado: de ese instante en que Alejandro ya no controla el destino, sino que él mismo se convierte en pasajero. La corriente del río lo arrastra, las orillas en llamas quedan atrás, y ante él aparece un futuro dorado pero aún incierto.

El bloque rojo evoca la furia del ejército rebelde y los sacrificios: la ira de los soldados que se detuvieron en la orilla del Hífasis, quebrados por las lluvias del monzón, las enormes pérdidas y el interminable paisaje indio, se rebelaron contra su gobernante. El muro de fuego a la izquierda de la composición marca la irrevocabilidad de ese punto: no hay más allá, aquí se termina el camino que habría llevado hasta el fin del mundo.

El motivo cuadrado y dorado que flota en el centro simboliza claramente la barca: un símbolo frágil pero brillante con luz divina, que lleva la marca del destino. Los tonos azules y verdes del agua representan la corriente del río, la fuerza irresistible del tiempo y la historia: esa necesidad a la que ni siquiera un conquistador mundial puede resistirse.

A la derecha, el campo dorado bañado en luz significa a la vez esperanza y destino. El camino del regreso del gobernante macedonio, que si bien cierra la campaña india, abre una nueva era en el mundo helenístico. La azulada montaña rocosa erige puertas: la salida de la India, que no puede ser conquistada completamente, solo tocada.

Mientras la pintura evoca un acontecimiento histórico, también muestra una lección metafísica: la barca flota en la frontera entre la voluntad humana y el orden divino. Aunque Alejandro llegó al borde del mundo, finalmente él mismo se convirtió en pasajero de la barca del destino, que lo devolvió de las llamas de la conquista a la luz del ocaso.

• 100 x 81 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

La colina rojiza que se eleva sobre las sombras de la noche simboliza aquellos planes incumplidos que aún ardían en la mente de Alejandro, mientras sus fuerzas ya se agotaban.

Las formas doradas y fragmentadas en la parte inferior y central del lienzo aluden tanto a los muros de Babilonia como a las columnas de los mandamientos divinos, que ya no permanecen enteras, sino fragmentadas, con grietas y derrumbes. La fuerza que una vez aspiraba hacia arriba se rompe: la historia misma derrumba las columnas santificadas por el cielo, que sostenían el imperio de Alejandro. Aquí el oro ya no aparece como un resplandor triunfante, sino como una luz que se apaga lentamente, cediendo suavemente su lugar a la eterna renovación.

El eje vertical de la composición –la columna sagrada blanca– divide el espacio, trazando una frontera entre el cielo y la tierra, entre la voluntad humana y el juicio divino. Alejandro fue una vez el rey de un mundo rodeado de oro, pero ahora el espacio etéreo mismo se convierte en el iniciador de una nueva creación.

El rectángulo rojo, el altar carmesí, permanece inquebrantable en el centro de la voluntad divina.

Esta composición artística no trata de un asedio, ni siquiera de una tragedia del destino, a pesar de todos los acentos dramáticos. Trata de que, aunque la existencia humana es finita, la renovación es eterna.

Ante los muros de Babilonia, Alejandro veía no solo su propia mortalidad, sino también el futuro.

Así, el diálogo de oro, negro y rojo en el lienzo se convierte en un memento: todos somos solo viajeros de paso entre los muros de la historia.

• 92 cm ⌀
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

La forma circular del lienzo por sí misma posee un significado sagrado: aparece ante el espectador como símbolo de la eternidad, la plenitud y el ciclo divino. En este marco universal se despliega la composición, que es a la vez tierra, fuego y radiación celestial —es decir, todos los elementos del mundo se unen en ella.

En el centro de las fracturas rústicas domina el resplandor rojo y dorado, como si el propio dios Sol emergiera de la profundidad del lienzo. El fondo rojo fuego no solo evoca el ardor de las batallas o la sangre de los sacrificios humanos, sino la presencia divina que elevó a Alejandro sobre todos los destinos humanos. La franja azul que cruza el color es el agua hallada en el desierto, el camino de la existencia y la purificación, que al dividirse revela la brillante figura de la “Montaña Dorada”: el santuario en la frontera entre mito y realidad, donde Hefestión y Alejandro sellaron sus destinos.

En la imagen se capta el diálogo de los opuestos: el éxtasis del rojo y la calma del azul, el cuerpo terrenal de tonos oscuros y la orden divina dorada que desciende desde lo alto. Esta tensión dramática evoca la búsqueda interior de Alejandro: el general que destruyó imperios aquí se revela a sí mismo ante el dios Sol.

El cuadro guarda el secreto del oasis de Siwa: el momento en que el hombre mortal se eleva a deidad. La protección del Sol no es solo bendición, sino autorización: convierte al hijo de Amón-Ra en parte del orden divino que rige el mundo.

Así, la forma circular del lienzo no es solo marco, sino también sello cósmico: el destino señalado por el dios Sol, que se cierra para siempre alrededor de la figura de Alejandro.

32. Alejandro y Poros

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
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Algunos triunfos no se completan en la destrucción del vencido; a veces, el verdadero brillo de la victoria resplandece en el reconocimiento de la grandeza del otro.

Tras la batalla librada junto al río Hidaspes, Alejandro no solo se alzó como comandante, sino como semidiós sobre su adversario: a Poros, el valiente e inquebrantable rey indio, no lo destruyó, sino que, preservando su dignidad, lo elevó a su lado.

Los rojos ardientes del lienzo evocan el fervor de la batalla, la lucha feroz impregnada de sangre y sudor. De los colores flameantes emergen corrientes doradas que abren otra dimensión: el flujo de energías divinas que guiaron la decisión de Alejandro. Poros aparece como un bloque gris y rocoso: inamovible, orgulloso, su fuerza no se quebró ni con la derrota.

El cuadrado que aparece en el lado derecho de la composición, símbolo de la santidad del altar, apunta hacia la dignidad real y el orden divino: el sello del destino histórico compartido entre el vencedor y el vencido. La franja dorada que divide el horizonte resalta la relación entre los dos gobernantes: el gesto de Alejandro, por el que preservó la vida y el trono de Poros, dándole así un lugar eterno en las páginas de la historia.

Mientras la pintura narra con gestos dramáticos el triunfo junto al Hidaspes, también habla de las dos caras del carácter humano: una es la del conquistador implacable, la otra la del rey capaz de respetar la grandeza. Esta dualidad es la que eleva a Alejandro de famoso comandante a fuerza creadora de mitos.

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• DISPONIBLE PARA LA COMPRA

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Esta obra extraordinariamente compleja es una estación difícil y dramática del ciclo 'Alejandro Magno - Imperator Ultimus': pues no solo captura un momento de la vida de Alejandro, sino también el arquetipo ancestral del destino femenino: la eterna interconexión entre el amor y la muerte, el deseo y el destino.

Al mismo tiempo, la obra visualiza un triángulo emocional, que evoca tanto un drama amoroso como una iconografía sagrada: el pintor eleva las emociones terrenales al nivel del mito atemporal. El triángulo no se cierra, sino que permanece abierto, indicando que la dinámica de las relaciones nunca encontró descanso y finalmente desembocó en un desenlace trágico; y con esta simbología triangular, la obra no solo representa a Roxána, sino que también despliega el universo emocional de Alejandro: la eterna tensión entre los tres vértices de la pasión, la amistad y el poder.

En el registro superior, el horizonte dorado-amarillento y el cielo brillante y turbulento insinúan una promesa, una esperanza: el destino de Roxána al principio realmente llevaba la promesa del triunfo y la ascensión. La joven bactriana, cuya belleza se volvió legendaria, cautivó el corazón de Alejandro: en su matrimonio se unieron Oriente y Occidente, el mundo macedonio y el persa.

Sin embargo, la esencia de la pintura no reside en el horizonte, sino en la grieta oscura del centro, que alude a la profundidad del principio femenino. Este espacio negro, que el creador evoca audazmente como símbolo de la feminidad, alude tanto a la fuente de la vida como al remolino de la destrucción.

Una madre, con la posibilidad de la vida, también otorga la inevitabilidad de la muerte.

En la figura de Roxána se encarnan simultáneamente la fertilidad, el amor y la tragedia. La madre que da vida, quien trajo al mundo a Alejandro IV, y también la mujer que finalmente fue encarcelada y asesinada, convirtiéndose así en una especie de cueva sacrificial, en escenario de vida y muerte. Pero esta oscuridad no solo representa la corporalidad de Roxána, sino también el lado oscuro y cargado de celos de la relación. Alrededor de ella laten tonos rojizos y carmesí: las llamas del amor, signos de la devoción de Alejandro. Sin embargo, este rojo no es uniforme: a veces brilla, a veces se apaga, mostrando el pulso de la pasión y la incertidumbre.

Entre los rojos y negros aparecen manchas turquesa, como destellos celestiales en una herida: simbolizan tanto el breve resplandor de la esperanza como los implacables giros del destino, pero también se relacionan con la presencia espiritual y emocional de Hefestión. Las luces frías evocan no solo el pensamiento racional y la camaradería militar, sino también la pureza atemporal del vínculo íntimo entre hombres.

En la historia de Roxána, el poder y el amor formaron una mezcla fatal: el don divino inicial finalmente se convirtió en presa de intrigas políticas y luchas de poder entre hombres.

La paleta de la pintura - la pasión que arde en el rojo, el peligro que cae en la profunda oscuridad y el oro que insinúa la promesa del horizonte - resume todo un destino. El negro y el rojo - Roxána: la corporalidad, la pasión, los celos; el turquesa - Hefestión: la amistad, la comunidad espiritual, la pureza; y el oro - Alejandro: el rey, desgarrado por dos fuerzas, mientras su propio destino lo arrastra hacia el destino.

Así, la figura de Roxána no es solo un personaje histórico, sino también un arquetipo: la belleza que eleva y arrastra a la perdición; la madre que da y pierde la vida; la reina que encarna tanto el triunfo como la destrucción.

• 50 x 50 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

La pequeña pintura es una de las piezas más poderosas y dramáticas del ciclo, donde el encuentro del mito y la historia estalla como fuerzas geológicas en la superficie del lienzo.

La composición está dominada por una franja aguda de azul y negro que desciende por el centro del campo visual: el cielo y la tierra se abren para revelar el juicio divino.

Esta grieta no es otra cosa que la metáfora visual del nudo gordiano: el enredo imposible de desatar, que Alejandro resolvió con su fuerza intelectual y su ingenio estratégico, no con el golpe de espada de la leyenda, sino con la comprensión de los secretos divinos.

La estructura rocosa, dorada en tonos ocres y marrones en el lado izquierdo, evoca el pasado frigio: Gordias, el campesino elegido como rey, es el cumplimiento de la profecía divina a través de la decisión de los sacerdotes. El oro aquí es símbolo de la elección, la promesa sagrada, que brilla a través de Sabazio, el Zeus frigio. El fragmento de tierra ardiente y rojo fuego a la derecha representa la energía de Alejandro, el fervor de sus futuras conquistas: de aquí parte el imperio que, por la voluntad de un solo hombre, se extiende sobre Asia.

La obra lleva simultáneamente las marcas del drama terrenal y cósmico. El choque de colores y texturas evoca un cielo surcado por relámpagos: no es casualidad que, según la leyenda, Zeus confirmó su satisfacción tras la resolución del nudo con truenos y relámpagos.

Aquí, la voluntad divina y la acción humana se funden en una sola: bajo el pincel de Tamás Náray aparece el momento en que los hilos del destino convergen en las manos de un solo hombre. El contraste entre el rojo y el oro lleva la promesa de la futura conquista, mientras que el gris blanquecino es el escenario de la profecía atemporal. Ante los ojos del espectador se despliega ese momento mítico en el que un hombre se convierte en gobernante, y que cambió para siempre el destino del mundo.

"Alejandro en Gordión" no es una simple ilustración histórica, sino una visión arquetípica: la alegoría de la superación de lo imposible.

38. La corona

• 80 x 80 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras el mito y la realidad"
• VENDIDO

La obra, a través de la imagen de la corona como atributo real, se convierte en la alegoría de una época. El proceso del poder y la gloria, sumergido en oro pero condenado a la destrucción, aparece en el campo pictórico.

La superficie del cuadro, dominada por una textura dorada deslumbrante, evoca a primera vista el brillo de las conquistas: esa corona que, con voluntad de hierro, sometió al mundo bajo su dominio. Pero al observar más de cerca, la superficie agrietada y desmoronada ya es presagio de decadencia: la gloria que el tiempo y el sufrimiento humano desgastan lentamente.

En la parte superior de la composición se alzan formas oscuras y fragmentadas, como picos ennegrecidos o torres quemadas, entre las cuales descienden cascadas rojas. Estas pinceladas rojas —gestos marcados e intransigentes— evocan el precio de la conquista: destinos humanos que laten detrás de cada triunfo. El dramático contraste entre el cielo azul profundo y la cadena montañosa negra intensifica el peso de la imagen, como si el propio cielo fuera testigo de la caída de la corona.

En la pintura de Tamás Náray, realizada con una técnica especial, podemos observar un manejo magistral del pincel y el uso refinado de la espátula: contornos nítidos y descendentes erosionan las superficies nobles.

Además de registrar la transitoriedad del poder, la obra comunica una verdad atemporal: solo permanece lo que no surge del sufrimiento ajeno. “La corona” es a la vez un monumento histórico y una advertencia moral: un memento encerrado en oro que invita al espectador a la auto-reflexión.

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

El lienzo cautiva al espectador a primera vista: el brillo deslumbrante del oro domina el espacio: el mito del imperio se eleva ante nosotros. Esta luz omnipresente y atemporal evoca la riqueza y el poder del Imperio Persa, que una vez fue el dominio más grande del mundo. Egipto, Siria, Asia Menor, Mesopotamia y la inmensidad del actual Irán se funden en este resplandor dorado, realmente vemos la textura de la eternidad.

La franja roja profunda simboliza el precio de la sangre que este poder ha pagado una y otra vez. Esta banda no solo lleva el recuerdo de guerras y batallas, sino también el del sacrificio, que está inscrito en el destino de todo gran imperio. Junto a ella, el destello turquesa evoca a Egipto y el Nilo, ese río vital que fue a la vez camino, frontera y símbolo divino.

La obra destila la esencia de las excepcionales técnicas de dorado de Tamás Náray. Las fracturas ejecutadas en las superficies doradas, los llamados “envejecimientos” y el efecto opalino logrado con pigmentos son todos signos de una habilidad maestra y preparada.

El cuadro nos transporta a la época de Darío: al apogeo del imperio, cuando se construyeron acueductos, templos y sistemas de escritura, cuando los soldados cruzaban puentes flotantes para conquistar nuevas tierras. Sin embargo, aquí y allá la superficie dorada ya se agrieta, se desgasta, y las sutiles sombras de la transitoriedad penetran en el esplendor que lo cubre todo.

Y es entonces cuando aparece Alejandro, que cruza el Helesponto para enfrentarse a este mundo bañado en luz. El botín, los tesoros, la captura de la familia de Darío simbolizan la transferencia del poder. Pero el lienzo de Tamás Náray no evoca solo la historia: la eternidad del oro proclama la inmortalidad del Imperio Persa, que aunque cayó, permanece para siempre en la memoria colectiva de la humanidad.

Esta imagen, además de las conquistas, muestra que los imperios no son solo entidades políticas, sino también tejidos de cultura, conocimiento, fuerza divina e inmortalidad, que brillan como luz dorada a través de todos los tiempos.

• 100 x 120 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras el mito y la realidad"
• VENDIDO

A primera vista, la obra transmite paz: un cielo suave y opalino, el silencio plateado de las montañas en el horizonte. Pero esta calma es engañosa. La franja central dorada del cuadro, que se extiende como un rayo divino, no solo encierra belleza, sino el instante de una historia al amanecer. Es el momento en que Alejandro, reviviendo de una herida mortal tras una semana de inconsciencia total, recupera lentamente el aliento. El susurro del más allá lo acompaña de regreso a la vida: la orden de los dioses de someter Constantinopla antes de cerrar de nuevo los ojos.

En el lado derecho de la imagen, el perfil de la ciudad, construido a partir de tonos negros y rojos, ya es Constantinopla misma, una fortaleza sumida en la sombra pero aún resplandeciente, que es a la vez promesa y amenaza. Las manchas rojas, como sellos empapados de sangre, indican el precio de la misión: la conquista nunca es pura. Los tonos fríos de azul y gris que emergen detrás de las montañas llevan el silencio congelado del pasado heroico, mientras que el campo dorado representa la luz extática pero efímera del renacimiento.

Este cuadro es a la vez un monumento a la fuerza de la voluntad humana y una advertencia sobre el peso de las misiones: el ascenso nunca está libre de pérdidas, y la voz divina no es mensajera de paz, sino de prueba.

“El despertar” no es solo una escena histórica, sino un himno visual a la dualidad eterna del poder y la mortalidad.

• 100 x 81 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
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En la pintura titulada “La Peregrinación” el lienzo mismo se convierte en escenario, donde mito e historia se entrelazan.

El viaje de Alejandro al oasis de Siwa no es simplemente un movimiento geográfico, sino una travesía sagrada, el cruce de un destino humano hacia el orden divino. A primera vista, las superficies fragmentadas e inquietas de la pintura hablan de esta transición: el rojo representa el ardor de las luchas y el tormento del cuerpo, el amarillo la promesa de la luz divina, mientras que la base blanquecina, que recuerda a la roca, evoca el rostro atemporal del desierto eterno y sólido.

Las líneas negras que fluyen hacia abajo evocan la experiencia de la cercanía de la muerte, el agotamiento del cuerpo, la incertidumbre de la existencia, acercando todo esto al espectador. Es como si el propio lienzo se secara, se desmoronara, como los labios del viajero en la arena ardiente. Y sin embargo: la oscuridad no absorbe, sino que conduce - sirve como puerta, detrás de la cual brilla la luz dorada del dios Sol, la meta, la promesa de la iniciación.

En la peregrinación, la realidad y la visión, la debilidad humana y el apoyo divino se entrelazan. Tampoco hay límites claros en la pintura: los colores se mezclan, se difuminan, se desvanecen. Esta disolución es en sí misma la experiencia sagrada, donde el ser humano pierde sus coordenadas terrenales para encontrar su lugar en el orden de los dioses.

Así, “La Peregrinación” se convierte en la alegoría de la perseverancia y la fuerza interior: para Alejandro - y para cada espectador - el mensaje del camino es que la mayor victoria no es conquistar el mundo, sino encontrar la armonía entre uno mismo y el destino.

• 50 x 50 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
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La pintura titulada “El santuario de Amón-Ra” es la huella guiada por visiones del misterio de la iniciación. No es solo una referencia histórica al viaje de Alejandro a la oasis de Siwa, sino también la evocación escénica del encuentro trascendental: el momento en que el mortal se convierte en hijo del Dios Sol.

Las superficies tejidas en oro del cuadro evocan las vibrantes energías de la presencia divina, que envuelven al conquistador como campos invisibles e impenetrables. El semicírculo radiante que aparece en la parte inferior izquierda de la pintura es un disco solar, del cual irradian rayos dorados –como haces láser– que atraviesan y desgarran la composición. Estas líneas evocan tanto el resplandor de la luz sagrada como el campo extático de la iniciación.

Las bandas de color tiza y suaves tonos verde agua son símbolos: la blancura calcárea evoca la losa de mármol del santuario, donde el conquistador comienza a tomar conciencia tras su iniciación, mientras que el matiz verde laguna trae el agua de la vida, el renacimiento. Las grietas negras y doradas simbolizan las pruebas de la iniciación: las tensiones del cuerpo y el alma humanos, sin las cuales no podría establecerse la conexión divina.

La tensión presente en todo el lienzo –las estructuras fragmentadas, la irrupción violenta de los rayos–, sin embargo, se funde en armonía en el resplandor envolvente de los motivos alados dorados. Así, la pintura se convierte en la alegoría de la transformación sagrada: aquí Alejandro no es solo un conquistador, sino un ser que acepta su filiación divina, ascendiendo a una verdad de orden superior.

La denominación de “santuario” no solo designa un espacio, sino también un estado interior: el encuentro con el Dios eterno, en el que el rey se convierte en soberano sagrado, y el mortal en portador de la voluntad divina.

• 100 x 120 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

La pintura titulada “La herencia” es ya una de las imágenes del cierre: la última, simbólica síntesis de una obra de vida y una época. Aquí la obra no muestra el fervor de la conquista, ni la embriaguez de las victorias, sino la dualidad de la permanencia y la desaparición.

En el centro de la composición aparece un bloque oscuro que en realidad representa la silueta de un casco de barco, que alude tanto al arduo viaje de la existencia terrenal como a ese viaje eterno que todo ser humano –incluso un gobernante considerado de origen divino– debe recorrer.

El barco que emerge de la niebla, como si se elevara de diferentes edificios: el portador no terrenal del alma. Un barco fuerte, que aunque ha sido golpeado implacablemente por las tormentas de la historia, sigue avanzando con mástiles rectos y orgullosos en el horizonte del azul infinito. En las vergas de los mástiles, en lugar de velas desgarradas, el altar carmesí muestra la orden divina por la que finalmente el barco avanza.

El velo dorado de la imagen recuerda el origen divino del hijo de Zeus: los rayos del Dios Sol iluminan el espacio de la creación. El oro evoca tanto la gloria como la ilusión de la transitoriedad: lo que es tangible se desmorona, pero la luz espiritual brilla eternamente.

La profundidad del mar azul simboliza el infinito de la existencia humana, ese medio atemporal que todo lo absorbe, en el que solo pueden permanecer las huellas de la herencia.

El cuadrado rojo que emerge de las estructuras oscuras del casco es la santidad del altar, la última medida: el único punto que tiene derecho a juzgar los actos terrenales de un hombre –un conquistador, un hijo de dios.

Sin embargo, la especial tensión del lienzo se disuelve en paz: el oro y el azul, lo transitorio y lo eterno, lo terrenal y lo divino se encuentran en él. Así, “La herencia” no es solo el epílogo de la historia de Alejandro Magno, sino la alegoría de la eterna pregunta de todo ser humano: ¿qué dejamos atrás cuando el cuerpo se desintegra, pero el espíritu sigue viviendo?

• 146 x 96 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

“La Puerta” es el punto final de la serie Alejandro Magno - Imperator Ultimus', o el clímax de la historia, donde las conquistas, sueños y victorias se desvanecen, y solo queda una pregunta: ¿qué espera al otro lado?

La pintura monumental de Tamás Náray no solo trata del último momento de Alejandro Magno, sino también de esa experiencia humana eterna que alcanza a todos los mortales.

El portal de luz que se abre en el eje vertical del lienzo es símbolo de la dimensión trascendental. El resplandor etéreo, el oro y los amarillos en miles de matices turbulentos representan la fuerza divina misma: este gesto dinámico impregna cada vibración del espacio. El manto metálico de la región superior, donde a veces se filtra el color rojo carmesí del altar, cae como un baldaquino y sugiere la presencia del Creador. El verde oscuro y el misterioso fondo azul que se abre en contraste evocan el ámbito de la existencia terrenal, del que el héroe finalmente sale.

La figura solitaria - Alejandro Magno - se encuentra como una pequeña silueta en el resplandor cósmico ante su Creador. Detrás de él, las puertas de la historia ya se han cerrado, y ante él ahora se abre la puerta de la eternidad. En su brazo aún está el escudo, atributo de protección y combate, pero ahora, antes del último cruce, es más una carga que una fuerza. El escudo en el brazo debilitado del héroe revela que incluso el mayor conquistador es humano, su camino también es finito, y como todo ser humano, él también teme a lo desconocido.

Las luces reflejadas en el suelo sugieren dualidad: evocan tanto el brillo de los triunfos terrenales como la promesa de las luces del más allá. La inmensidad del espacio, la fragilidad de la figura y la armonía dramática de los colores enfatizan: la grandeza finalmente se convierte en soledad:  por la Puerta, cada uno debe cruzar solo.

La obra final de la serie de Tamás Náray no es solo el cierre de la serie, sino también una alegoría universal. La puerta - el límite entre la vida y la muerte, lo terrenal y lo divino - es el destino de todo ser humano. Así, la obra de Náray, a través de la historia de Alejandro Magno, evoca la pregunta más antigua de la humanidad: ¿qué nos espera al otro lado, cuando la esclusa se cierra definitivamente detrás de nosotros?

51. La conquista de Bizancio

• 120 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "Alejandro Magno 'Imperator Ultimus' - tras los mitos y la realidad"
• VENDIDO

La obra es una metáfora pictórica del encuentro, la fusión y la lucha de civilizaciones y creencias, donde los colores y las texturas condensan un drama complejo en una sola superficie.

Los dos polos de la composición – la parte dorado-roja a la izquierda y la parte azul a la derecha – separan dos mundos: el terrenal y el celestial, el espíritu occidental y oriental, el resplandor terrenal del poder y el horizonte infinito de la fe. El motivo de la media luna roja no simboliza la sangre, sino la fuerza, la voluntad y el deseo de conquista. Esta media luna se inserta entre el mar y la ciudad, flotando en el torbellino de la historia, como doble símbolo del poder y la fe.

La franja dorada de la izquierda evoca la columna dorada que, según la tradición, Constantino el Grande mandó erigir en el corazón de Bizancio, la futura Constantinopla, proclamando el esplendor y la legitimidad divina de la ciudad imperial. El oro aquí evoca el resplandor, la gloria y la luz espiritual de la ciudad, pero también porta el brillo metálico de la fugacidad: esa luz que puede iluminar tanto como cegar.

La superficie azul de la derecha, el agua y el cielo fusionados en un espacio casi infinito, evoca la situación geográfica y espiritual de Bizancio: la ciudad que se encontraba en la frontera de dos mundos, bañada tanto por el mar como por las olas de la historia. En este movimiento, en la corriente del agua, parece que el tiempo se desvanece: el pasado de Bizancio, el dios de Constantino y la idea de los conquistadores posteriores se funden en un solo resplandor azul.

Así, “La conquista de Bizancio” no es una ilustración de un evento histórico, sino una alegoría visual del final de una era y el comienzo de un nuevo mundo. La pintura no habla de violencia, sino de transformación: de cómo la fe, el poder y la belleza se convierten en una sola energía espiritual, que una y otra vez toma forma en la historia humana.