• 40 x 40 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad"
• VENDIDO

La obra evoca una historia nacida en la frontera entre el mito y la realidad: la leyenda según la cual Alejandro no solo era hijo del rey de Macedonia, sino descendiente de Zeus, un semidiós cuyo destino fue sellado por el poder divino desde su concepción.

En el centro de la composición aparece un arco rojo brillante: una media luna que simboliza tanto el sello como el útero. En ella se integra la esfera dorada: el embrión, la semilla divina que lleva la chispa de Zeus. El resplandor dorado irradia la pureza de la nueva vida y la luz de la elección divina.

Las líneas doradas diagonales atraviesan la composición como lanzas o rayos: las fuerzas de la concepción divina que perforan el arco rojo, fertilizando el principio femenino. Como si los rayos del cielo fijaran en el mundo terrenal la promesa de la inmortalidad.

El azul profundo del fondo evoca la infinitud del cosmos: el escenario del universo donde se desarrolla la historia. En este espacio oscuro y eterno, la leyenda se convierte en realidad: el sueño de Filipo, Zeus apareciendo en forma de serpiente, el nacimiento acompañado por la tormenta, todo se condensa en un único drama catártico.

El rojo es el color del deseo y del cuerpo, el oro de la santidad, el azul de la eternidad. En esta tríada se formula el misterio del origen de Alejandro: una historia que encierra a la vez el temor humano, la predestinación divina y el poder creador de mitos.

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad"
• DISPONIBLE

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A primera vista, la obra parece como si el propio lienzo estuviera en llamas. La composición se divide en dos polos principales: la superficie dorada de la izquierda, que evoca la pureza sagrada y atemporal del templo, y la ondulación roja y azul profundo de la derecha, que simboliza la destrucción y el destino. No hay transición armoniosa entre los dos, al contrario: el encuentro de ambas fuerzas genera una energía chispeante, casi explosiva.

El punto de partida de la imagen es un momento histórico: en el año 356 a.C., la noche del nacimiento de Alejandro Magno, se incendió el templo de Artemisa en Éfeso, uno de los santuarios más maravillosos de la antigüedad. Según la interpretación de los magos persas, el fuego no fue casual: nació alguien que traería destrucción a imperios y pueblos, y redibujaría el mapa de la historia. Según la leyenda, el templo pudo arder porque su diosa estaba ayudando en el nacimiento de Alejandro, convirtiendo así el nacimiento del niño en la sombra de la destrucción de un lugar sagrado. Esta explicación mítica resuena en cada vibración del lienzo.

El campo rojo de la derecha –el color de las llamas vivas y furiosas– puede interpretarse también como un ataque contra el orden divino: el nacimiento humano y la destrucción del templo divino se superponen. De las llamas surgen sombras azules: la ceniza que queda tras el fuego, el duelo y el matiz trágico del futuro. Como si el azul advirtiera: la llama no es solo luz, sino también destrucción inevitable.

A la izquierda, la superficie de oro viejo y blanco evoca la pureza del templo y la presencia de Artemisa. El oro parece conservar los últimos restos de la santidad, porque el cuadrado rojo incrustado en la composición –el motivo del altar– protege el espacio sagrado: preserva todo en la memoria de la historia.

La obra es en realidad una profecía visual alusiva: el lado izquierdo representa el orden divino, defendido por la santidad del altar, mientras que el derecho representa la violencia histórica. El nacimiento de Alejandro Magno no es solo la llegada de un hombre al mundo, sino el punto de inflexión de una era: un fuego que lo cambia todo, pero que también lo consume todo.

La obra documenta y profetiza a la vez: evoca una de las noches más dramáticas del pasado, mientras despierta en el espectador la pregunta de si todo gran nacimiento lleva consigo la promesa de la destrucción.

• 81 x 70 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad"
• DISPONIBLE PARA COMPRA

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El cuadro emerge del tejido de leyendas y silencios. Olimpia, quien en vida y muerte siguió siendo la mujer de los misterios, nunca respondió a la pregunta que podría haber determinado el destino de su hijo y su imperio: ¿realmente Alejandro Magno era hijo de Zeus?

Según la tradición, incluso Roxana le preguntó sobre esto mientras intentaba salvar al pequeño Alejandro IV durante su huida, pero Olimpia se llevó el secreto a la tumba.

La composición cerrada del lienzo parece encarnar el propio secreto: un espacio construido por formas cuadráticas que se abrazan, en cuyo centro brilla el cuadrado rojo: la santidad del altar, el sello del origen divino. Este cuadrado alude tanto al poder de los dioses invisibles como a la verdad no dicha, que nunca se convirtió en certeza.

En la parte superior derecha del cuadro aparecen superficies doradas perforadas, como un telón teatral que se abre solo un poco, pero no permite una revelación completa. Detrás de las grietas vibran colores turquesa: el campo de la verdad oculta, al que solo los mitos y las creencias permiten acercarse. Aquí aparece por primera vez la simbología del telón dorado: el velo entre dioses y mortales, que solo las leyendas logran rasgar.

La región inferior oscura y profunda del cuadro lleva el destino codificado. Como si desde abajo emergiera una fuerza oscura, señalando la lógica implacable de la historia: la luz de los mitos siempre va acompañada de la sombra, y la promesa de la gloria con la posibilidad de la destrucción.

Así, “El secreto de Olimpia” alude al mismo tiempo al misterio del nacimiento, al origen divino del poder y a la presencia implacable del destino. El silencio y el secreto están presentes en cada capa de color del cuadro: la historia no da una respuesta clara, solo símbolos que insinúan lo indecible.

• 2 x 60 x 60 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• La obra de la izquierda ha sido VENDIDA, la obra de la derecha está DISPONIBLE PARA LA VENTA

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Estos dos lienzos, colocados uno al lado del otro, no son solo una composición visual, sino una sala de debate visual donde los testigos y acusados del pasado se presentan ante el espectador. En el panel derecho, resuenan los golpes de la historia: superficies de oro arremolinado y marrón óxido, líneas blancas cortantes, como si las cuchillas del destino desgarraran el tejido del tiempo. Aquí resuena el año 336 a.C. en Egas, el anfiteatro donde el pueblo se reunió para ver a su gobernante – y donde el destino intervino. Filipo, el rey macedonio, avanzó hacia el escenario con pasos cojos, cuando Pausanias, su propio guardaespaldas, corrió hacia él y clavó una daga oculta entre las costillas del rey.

El panel izquierdo, con tonos más oscuros y profundos, parece guardar la sombra del crimen. El campo rojo superior, como un cielo lleno de sangre, pesa pesadamente sobre la composición. Aquí la narrativa ya no trata de los hechos, sino de la pregunta que durante dos mil años ha perseguido a los historiadores: ¿es posible que Alejandro Magno, uno de los conquistadores más brillantes de la historia, fuera cómplice de la muerte de su propio padre?

Así, el díptico es un doble diagnóstico: el primer lienzo representa la fuerza arrolladora del momento del acto, el segundo la incertidumbre, la sospecha y la pesada pregunta sin respuesta de la historia. Entre los dos paneles se tensa la brecha invisible donde la certeza se rompe y donde el arte –al igual que la historiografía– solo puede llenar el vacío con conjeturas.

• 80 x 80 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad"
• DISPONIBLE PARA COMPRA

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El ser humano tiende a pensar en una sola línea temporal, donde todo va del pasado al presente y hacia el futuro. Pero ¿qué ocurre si el tiempo se quiebra y se revela en un ciclo espiral de repeticiones?

La pintura de Tamás Náray, 'El bucle temporal', plantea esta pregunta a la luz de la vida de Alejandro. ¿Cómo enfrentarnos a la paradoja de que en solo treinta y tres años de existencia terrenal logró hazañas que superan una vida humana? ¿De dónde vino, qué fuerzas lo formaron y realmente llegó entre nosotros como hijo de los dioses?

En el centro del lienzo brilla la santidad del altar, como punto fijo de la historia de la creación, que une el cielo y el mundo terrenal. Desde ahí desciende la franja negro-azul-roja: el negro sombrío del destino, el azul de la orden divina y el rojo sangre de los sacrificios entrelazados, como si llevaran la esencia concentrada del camino de Alejandro.

A la izquierda, en la profundidad del cuadro, parece emerger una imagen de ultrasonido: la silueta de un útero femenino con el contorno de un feto. Este motivo alude tanto al secreto de los comienzos como a las leyendas divinas que rodean el nacimiento, que insinuaban la presencia de Zeus en la cámara de Olimpia. La luna creciente dorada que lo cubre es símbolo de la voluntad divina, que ya en el momento del nacimiento marcó el camino de Alejandro.

A la derecha del cuadro aparecen planos superpuestos de estructuras doradas y blancas, como capas temporales de la existencia terrenal, que fluyen imparablemente pero siempre desembocan en el mismo final. La estructura del cuadro parece sugerir que el tiempo no es lineal, sino circular, y en este círculo la figura de Alejandro reaparece una y otra vez, con diferentes significados para distintas épocas.

La obra es así una visión ultraterrena y un drama humano. Una visión sobre cómo hay vidas tan extraordinarias que solo pueden entenderse verdaderamente en una espiral temporal repetitiva.

• 80 x 80 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• DISPONIBLE PARA COMPRA

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La pintura titulada “El otro reino” en la serie "Alejandro Magno – misterio y realidad" es la representación visual de la visión y la profecía del destino: una alegoría del punto de inflexión espiritual de Alejandro, quien ya de niño mostró habilidades excepcionales.

En la superficie del lienzo, la profundidad azul, la infinitud del cosmos, proporciona el fondo. En este azul, una forma rosada y translúcida emerge, como si viéramos los contornos de un mapa: aparecen las siluetas de Europa y Asia, como promesa de un mundo aún por conquistar. El resplandor rosado sugiere tanto la pureza de los sueños infantiles como los deseos ardientes del gobernante en crecimiento.

Los fragmentos y texturas doradas alrededor de esta forma, como un sello divino, indican la predestinación del destino. El oro aquí no es solo un elemento decorativo, sino el resplandor del destino: la aprobación de los dioses que une continentes, mares y océanos. El tejido dorado es como si sostuviera la trama del universo, marcando el camino de Alejandro, que va más allá de las fronteras de Macedonia.

El carácter visionario de la pintura, su superficie opalina y fragmentada, da la sensación de mirar hacia el futuro. Como si miráramos a través de una bola de cristal: el futuro es brumoso, pero los contornos ya se delinean; el bloque rosado-dorado no es más que el preludio de una conquista, el otro reino que aún es solo un deseo, pero pronto se convertirá en realidad.

En la obra también vibra la historia del oráculo de Delfos: el joven rey que exige una respuesta, y la frase pronunciada por la sacerdotisa – “¡Eres invencible, hijo mío!” – sella la visión. Así, la imagen es a la vez pasado y futuro, juego infantil y plan imperial, deseo humano y profecía divina.

“El otro reino” es una visión soñada sobre el lienzo: un mundo que la ambición, la fe y el destino de un solo hombre unieron, y que ya entonces, en su infancia, ardía en su imaginación.

Tras los pasos de Aristóteles

• 120 x 120 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• DISPONIBLE

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El cuadro titulado “Tras los pasos de Aristóteles” es una alegoría de los fundamentos espirituales del conocimiento, la lógica y la conquista. No solo evoca la relación entre maestro y discípulo, sino también ese legado intelectual que se convirtió en el terreno fértil de las acciones transformadoras de Alejandro.

En el centro de la composición domina una banda vertical roja: una columna ardiente que evoca tanto el fervor de las conquistas como la fuerza de las enseñanzas estrictas de Aristóteles. En ese rojo vibra también la afirmación: para los griegos se necesita un líder, para los bárbaros un tirano; un consejo pragmático pero implacable que resonó en las decisiones de los campos de batalla.

Detrás y junto a la columna roja brillan superficies doradas: símbolos de la capacidad otorgada por los dioses y del conocimiento. El oro, como valor eterno, cubre el lienzo con un resplandor intemporal, como si los pensamientos y la inspiración divina se hubieran fundido en uno. La superficie fragmentada por el oro sugiere que el conocimiento no es fácilmente accesible, sino que se revela a través de la lucha y el descubrimiento de capas.

Las estructuras lineales negras y blanquecinas sugieren una severidad arquitectónica: se dibuja la imagen de una construcción matemática, un orden lógico. Estas formas simbolizan el pensamiento estratégico: la táctica, la planificación previsora y los fundamentos de la guerra psicológica.

La superficie homogénea pero vibrante del lienzo se completa con la atemporalidad de los tonos beige cuarzosos: el conocimiento es eterno, inmutable y sólido, como el diamante. En esta estructura aparece uno de los elementos más misteriosos del cuadro: el pequeño cuadrado turquesa oculto en la columna roja. Este signo sagrado parece un altar: la puerta al mundo celestial. El oro que contiene simboliza el giro hacia lo divino, la libertad y la elevación del alma.

La pintura habla tanto de la disciplina de la inteligencia humana como del poder que surge del conocimiento. El mensaje de la obra: el conocimiento del mundo y la conquista no pueden separarse: en el conocimiento reside la verdadera fuerza del líder, que sobrevive al tiempo y a los imperios.

• 80 x 120 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• DISPONIBLE PARA COMPRA

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La pintura es una alegoría de la intimidad, la lealtad y el amor sagrado. No es solo la representación de un episodio histórico, sino de un gesto atemporal en el que el amor, la amistad y el orden divino se entrelazan en un solo movimiento.

En la parte superior del lienzo flota una esfera brillante en tonos ciclamen, fucsia y rojo: un cuerpo planetario, símbolo celestial de las emociones. Esta esfera flotante parece descender de otra dimensión, indicando que la relación entre los dos hombres ha trascendido los límites de la amistad terrenal y se ha elevado al reino del amor cósmico.

Debajo se extiende el horizonte severo de montañas grises y heladas. Sin embargo, en medio del paisaje frío se eleva una cima dorada, en cuyo costado hay un misterioso ojo que todo lo ve: el testigo trascendental, la mirada divina ante la cual nada puede permanecer oculto. Este ojo es el testigo silencioso de la historia: no solo la tierra, sino también el cielo registra la alianza de los amantes.

Desde la base de la montaña ascienden líneas doradas: canales de energías divinas, como si fueran hilos de luz moviéndose entre el cielo y la tierra, sellando la relación entre los dos hombres. Estos hilos dorados son signos de aprobación, bendiciones invisibles de los dioses.

La historia que Plutarco preservó aquí se convierte en una alegoría pictórica: Hefestión sostiene el rostro de Alejandro Magno en su palma, y el rey sella el vínculo de su amor con su anillo y luego con el toque de sus labios. La esfera es el planeta de la pasión, la montaña es el testigo divino y los hilos de luz son las energías del universo que fijan el juramento.

“El sello” no es solo una representación simbólica de un momento íntimo, sino un testimonio universal: que los vínculos humanos más profundos –por muy secretos que sean– siempre están a la luz de la eternidad.

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• VENDIDO

El espectador se encuentra ante una de las piezas más líricas del ciclo "Alejandro Magno – misterio y realidad", que es el cuadro titulado Mieza - El templo de las ninfas , que evoca el santuario de la juventud y las raíces del espíritu.

Mieza, donde el joven Alejandro fue educado bajo la tutela de Aristóteles, y donde, junto a su amigo Hefestión, vivió las experiencias más profundas de la infancia y la juventud. Según el testimonio de la historia, Mieza no era simplemente una escuela – en palabras de Plutarco, "el santuario de las ninfas" –, sino un bosque sagrado donde la filosofía y la naturaleza se unían en una mística armonía.

Por ello, la obra no es simplemente una abstracción paisajística, sino también un mapa dibujado con tinta invisible de conocimiento, amistad y amor.

La gama cromática del cuadro refleja esta dualidad: los verdes profundos y exuberantes evocan la vida eterna de la naturaleza y la presencia invisible de las ninfas, mientras que la superficie etérea y pura que brilla a la derecha es el símbolo de la inocencia. Entre ambos se extiende una línea vertical semejante a una grieta: la puerta de la cueva, es decir, la grieta mística del nymphaeum, de donde brota la inspiración divina. Esta grieta es también una frontera: el campo blanco y puro separa el mundo inocente de la infancia del jardín del despertar espiritual, emocional y físico.

La esfera de color ciclamen, que flota eternamente en el espacio verde-azulado, no es otra cosa que el símbolo del amor, el deseo y las energías espirituales y emocionales. Esta forma amorfa, pero aún así perfecta y ultraterrena, indica que aquí no solo se impartía enseñanza: aquí se tejió ese vínculo íntimo que unió a Alejandro Magno y Hefestión durante toda su vida.

La esfera porta tanto la luz del conocimiento como el calor del amor, la esencia común de philia y eros en el sentido platónico.

Las manchas doradas que aparecen en la esquina inferior derecha evocan el recuerdo de los santuarios y columnatas antiguas: la presencia divina que reside en el corazón de la naturaleza, que también rodeaba el misterio de las arcadas y las cuevas. Esta luz dorada es una especie de marco sagrado que destaca el papel especial de Mieza: no fue simplemente una escuela, sino un jardín espiritual donde el conocimiento y el sentimiento se formaban en equilibrio.

En toda la imagen domina la simbología de los colores: el verde es la vida, el crecimiento, la exuberancia natural; el azul es la profundidad y la pureza del pensamiento; el oro es la luz divina; el ciclamen es el núcleo oculto de los sentimientos. Las capas que se funden entre sí traen de vuelta la atmósfera palpitante y casi atemporal del jardín de Mieza.

Esta pintura es una de las estaciones más líricas del ciclo: mientras que otras obras capturan el fuego de la pasión, la lucha y la tragedia, aquí el espectador puede entrar en el lugar sagrado de los comienzos, donde el conocimiento y el amor, la filosofía y la juventud nacieron juntos en luz y sombra.

• 100 x 81 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• DISPONIBLE

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La pintura titulada “Consiliatus Imperius” captura la dualidad entre el poder y la intimidad: esa tensión en la que, en el escenario de la historia, los sentimientos humanos, el apego y la belleza también cobran protagonismo.

En la región superior, una cascada de verde y oro desciende, luces de esferas celestiales se disuelven en la tierra. El verde simboliza la juventud y la fuerza fresca, evocando la figura de Euxenipo, mientras que los destellos dorados portan la promesa de la elección - pero su luz fragmentada y dispersa sugiere que aquí falta algo para el resplandor completo.

En la esquina superior izquierda late un bloque rojo ardiente, captando la mirada como mancha de pasión y deseo: en él reside la fuerza, la luz y el verdadero carisma - todo aquello con lo que se medía al joven Euxenipo.

En el centro de la composición, una banda de apariencia marmórea y sensual atraviesa la obra, enmarcada arriba y abajo por pesadas incrustaciones doradas: una línea divisoria entre la realidad terrenal y las relaciones ordenadas por el cielo. El oro evoca la presencia del orden divino: recordando que incluso los lazos más personales forman parte del gran tejido de la historia.

En el título, “Conciliatus” evoca al amigo, al amante de confianza, mientras que “Imperius” señala la perspectiva imperial. Así, la obra une dos esferas: el mundo público del poder y las frágiles relaciones humanas íntimas.

El lienzo evoca a la vez historias personales ocultas en la sombra de los triunfos y ese misterio en el que la historia y la emoción se entrelazan inseparablemente.

India

• 140 x 140 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• VENDIDO

El cuadro titulado “India” en la serie de Tamás Náray plasma en el lienzo la magia del descubrimiento y la extranjería, tal como Alejandro Magno y su ejército se encuentran por primera vez con la exuberancia del mundo oriental. La imagen rebosa de colores: los verdes vibrantes y los rosas intensos evocan la vegetación exuberante de la jungla, donde la luz juega sobre los troncos de los hibiscos y los pétalos de flores exóticas. Las flores parecen estallar fuera del plano del cuadro, como si fueran organismos vivos que revelan las maravillas de la tierra desconocida ante los ojos de los conquistadores.

Sin embargo, las formas vegetales que aparecen en el lienzo no ofrecen solo una visión botánica, sino que también portan un significado alegórico. Los pétalos que van del rosa al tono de orquídea simbolizan la belleza y la fragilidad: evocan aquellos momentos en que la naturaleza despliega su generosidad impresionante entre las crónicas escritas con sangre de la campaña.

Para los ejércitos de Alejandro Magno, la India fue al mismo tiempo un paraíso terrenal y una dura prueba. El torbellino de flores vibrantes en el centro del cuadro muestra no solo el asombro ante la riqueza natural, sino también la paz momentánea del conquistador: ese estado en el que, en medio de las guerras, el alma descansa ante la belleza.

La paradoja presente en la obra se puede captar en que, aunque la campaña dejó recuerdos amargos, en la memoria permanecieron los paisajes y flores de la India de cuento de hadas. Los tonos rojos en la región inferior sugieren la presencia ineludible de la sangre, el sacrificio y la lucha, recordando que el precio de la belleza siempre va acompañado del recuerdo de la destrucción.

Así, “India” no es solo la representación de un mundo geográfico lejano, sino también un espejo interior: la huella del mundo espiritual de Alejandro Magno, que ansiaba tanto la conquista como la belleza. Un mundo donde incluso a la sombra de la espada florece la naturaleza divina.

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• DISPONIBLE PARA COMPRA

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El mensaje del lienzo se revela ante el espectador como si los dioses hubieran apartado una cortina imaginaria de oro puro: a la izquierda, la textura perforada, parecida al pergamino, cae con un brillo metálico, como un telón teatral detrás del cual se despliega el escenario de los mitos.

En el centro de la imagen, el azul infinito del mar y el resplandor turquesa del cielo se funden, es decir, los dos elementos del horizonte del mundo mortal se convierten en uno, más allá del cual solo existe el reino de los dioses.

Como punto focal de la composición, la cima rojiza de la montaña se eleva hacia lo alto: granito ardiente, nacido de las entrañas del planeta como una onda de choque de una fuerza misteriosa: el monte Vermion, la cumbre sagrada que, según la tradición antigua, fue levantada de las profundidades de la tierra por las manos de los dioses. Su rojo es el color del fuego, la sangre y la energía divina: un signo mágico que promete refugio a los marineros desde lejos, y del que también cantaron las epopeyas homéricas.

La tensión creada entre la monumental franja dorada y la cima roja de la montaña mediante gestos pictóricos representa el encuentro entre el misterio y la revelación: el acto de transmitir conocimiento, presentado por el artista. Pues aquí, a la sombra del santuario llamado Mieza, en las laderas del monte Vermion, se fundó la academia donde Alejandro Magno y sus contemporáneos - Ptolomeo, Hefestión, Casandro - fueron instruidos en sabiduría, estrategia y la conquista del mundo. Así, la montaña se convierte simultáneamente en fuente de conocimiento y símbolo de poder: quien alcanza la cima es investido con la protección de los dioses.

En realidad, todo el campo visual es un escenario sagrado: a la izquierda la cortina, en el centro el escenario es la montaña ardiente, y alrededor se extiende la inmensidad azul del cielo. Aunque la presencia de los dioses no se representa en forma concreta, el espectador también se convierte en parte de este misterio: siente que al otro lado del lienzo le espera un conocimiento atemporal, si es lo suficientemente valiente como para alcanzar la cima de la montaña.

La "Leyenda del monte Vermion" no es simplemente una representación abstracta de un paisaje imaginario, sino una invocación visual: una alegoría del nacimiento del helenismo, el misterio del conocimiento y el toque divino del destino humano.

La barca macedonia

• 146 x 96 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• DISPONIBLE PARA COMPRA

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No toda victoria conduce al triunfo: hay ocasiones en las que el curso de la historia hace retroceder al conquistador. En la pintura, la barca no narra un avance, sino un regreso forzado: ese momento en el que Alejandro ya no controla el destino, sino que se convierte en pasajero de él. La corriente del río lo arrastra, las orillas ardientes quedan atrás, y ante él aparece un futuro dorado pero aún incierto.

El bloque rojo evoca la pasión del ejército rebelde y los sacrificios sangrientos: la furia de los soldados que detuvieron la marcha en la orilla del Hífasis, agotados por las lluvias del monzón, las pérdidas incalculables y el interminable paisaje indio, se rebelaron contra su gobernante. El muro de fuego a la izquierda de la composición marca la irreversibilidad de este punto: no hay más allá, aquí termina el camino que habría llevado hasta el fin del mundo.

El motivo dorado, flotando en el centro en forma de cuadrado y con brillo de bronce, simboliza claramente la barca: un símbolo frágil pero resplandeciente con luz divina, que lleva en sí mismo el decreto del destino. Los tonos azules y verdes del agua representan la corriente del río, la fuerza irresistible del tiempo y la historia: esa necesidad a la que ni siquiera un conquistador mundial puede resistirse.

A la derecha, el campo dorado bañado en luz significa al mismo tiempo esperanza y destino. Es el camino del regreso del gobernante macedonio, que si bien pone fin a la campaña india, abre una nueva era en el mundo helenístico. La azulada montaña rocosa erige puertas: la salida de la India, que no puede ser conquistada completamente, solo tocada.

Mientras la pintura evoca un acontecimiento histórico, también muestra una especie de lección metafísica: la barca flota en la frontera entre la voluntad humana y el orden divino. Aunque Alejandro Magno llegó al borde del mundo, finalmente él mismo se convirtió en pasajero de la barca del destino, que lo devolvió de las llamas de la conquista a la luz del ocaso.

• 100 x 81 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad"
• DISPONIBLE PARA LA COMPRA

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La composición del cuadro irradia una oscura dramaticidad: en la parte superior del lienzo se tensa una profundidad que se torna negra, atravesada de repente por bandas rojo sangre como un horizonte afilado. Este rojo aquí no es simplemente un color, sino un presagio: la proyección anticipada de sueños imperiales inclinados hacia la muerte y el destino.

La cima rojiza, que se eleva sobre las sombras de la noche, simboliza aquellos planes incumplidos que aún ardían en la mente de Alejandro mientras su cuerpo ya era arrastrado hacia el final.

Las formas doradas y fragmentadas en la parte inferior y central del lienzo aluden tanto a los muros de Babilonia como a las columnas de luz divina, que ya no permanecen intactas, sino fragmentadas, con grietas y derrumbes. La fuerza que antes aspiraba hacia arriba se rompe: la propia historia derrumba las columnas consagradas por el cielo que sostuvieron el imperio de Alejandro Magno. El oro aquí ya no aparece como un brillo triunfante, sino como una luz que se apaga lentamente, cediendo suavemente su lugar a la renovación eterna.

El eje vertical de la composición –la columna blanca sacra– divide el espacio, trazando una frontera entre el cielo y la tierra, entre la voluntad humana y el juicio divino. Alejandro fue una vez el centro del mundo rodeado de oro, pero ahora el propio centro se convierte en el iniciador de una nueva creación.

El rectángulo rojo, el altar carmesí, permanece inquebrantable en el centro de la voluntad divina.

Esta composición artística no trata de un asedio, ni tampoco de una tragedia del destino, a pesar de toda su intensidad dramática. Trata de que, aunque la existencia humana es finita, la renovación es eterna,

Frente a los muros de Babilonia, Alejandro no solo vio su propia mortalidad, sino también el futuro.

El diálogo de oro, negro y rojo en el lienzo así se convierte en un memento: todos somos solo viajeros de paso entre los muros de la historia.

• 92 cm ⌀
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad" 
• VENDIDO

La forma circular del lienzo posee un significado sagrado en sí misma: aparece ante el espectador como símbolo de la eternidad, la plenitud y el ciclo divino. En este marco universal se despliega la composición, que es a la vez tierra, fuego y radiación celestial, es decir, todos los elementos del mundo se unen en ella.

En el centro de la pintura domina el resplandor rojo y dorado, como si el propio dios sol emergiera de las profundidades del lienzo. El fondo rojo fuego no solo evoca el ardor de las batallas o la sangre de los sacrificios humanos, sino también la presencia divina que elevó a Alejandro sobre todos los destinos humanos. La franja azul que atraviesa el color es el agua encontrada en el desierto, el camino de la existencia y la purificación, que al dividirse revela la brillante figura de la "Montaña Dorada", el santuario en la frontera entre mito y realidad.

En la imagen se puede captar el diálogo de los opuestos: el éxtasis del rojo y la calma del azul, el cuerpo oscuro de la tierra y la orden divina que desciende desde arriba como oro. Esta tensión dramática evoca la búsqueda interior de Alejandro: el comandante que destruyó imperios aquí se revela a sí mismo ante el dios sol.

La pintura guarda el secreto del oasis de Siwa: el momento en que el hombre mortal se eleva a la divinidad. La protección del Sol no es solo una bendición, sino una autorización: hace que el hijo de Amón-Ra forme parte del orden divino que rige el mundo.

Así, la forma circular del lienzo no es solo un marco, sino también un sello cósmico: el destino marcado por el dios sol, que se cierra para siempre alrededor de la figura de Alejandro.

Esta pintura no evoca simplemente un acontecimiento histórico, sino el momento en que la grandeza humana encuentra su propia eternidad bajo la protección divina.

Alejandro y Poros

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• DISPONIBLE PARA COMPRA

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Algunos triunfos no se completan en la destrucción del vencido; a veces, el verdadero brillo de la victoria resplandece en el reconocimiento de la grandeza del otro.

Después de la batalla librada a orillas del río Hidaspes, Alejandro no solo se erigió como general, sino como semidiós: a Poros, el valiente e inquebrantable rey indio, no lo destruyó, sino que lo elevó a su lado, preservando su dignidad.

Los rojos ardientes del lienzo evocan el calor de la batalla, la lucha empapada de sangre y sudor. De los colores vibrantes emergen corrientes doradas que abren otra dimensión: el flujo de energías divinas que guiaron la decisión de Alejandro. Poros aparece como un bloque gris y rocoso: inamovible, orgulloso, su fuerza no se derrumbó ni siquiera con la derrota.

El cuadrado que aparece en el lado derecho de la composición, símbolo de la santidad del altar, apunta hacia la dignidad real y el orden divino: el sello del destino histórico compartido entre vencedor y vencido. La franja dorada que divide el horizonte resalta la relación entre los dos gobernantes: el gesto de Alejandro, al preservar la vida y el trono de Poros, le dio un lugar eterno en las páginas de la historia.

Mientras la pintura narra con gestos dramáticos el triunfo junto al Hidaspes, también habla de las dos caras del carácter humano: una es la del conquistador implacable, la otra la del rey capaz de honrar la grandeza. Esta dualidad es la que eleva a Alejandro de simple general a creador de mitos.

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
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Esta obra extraordinariamente compleja es una estación difícil y dramática del ciclo "Alejandro Magno – misterio y realidad": porque no sólo captura un momento de la vida de Alejandro Magno, sino también el arquetipo ancestral del destino femenino: la eterna interconexión entre el amor y la muerte, el deseo y el destino.

Al mismo tiempo, la obra visualiza un triángulo emocional, que evoca tanto un drama amoroso como una iconografía sagrada: el pintor eleva las emociones terrenales al nivel del mito atemporal. El triángulo no se cierra, sino que permanece abierto, indicando que la dinámica de las relaciones nunca encontró descanso y finalmente desembocó en un desenlace trágico; y con esta simbología triangular, la obra no sólo representa a Roxána, sino que también despliega el universo emocional de Alejandro Magno: la eterna tensión entre los tres vértices de la pasión, la amistad y el poder.

En el registro superior, el horizonte dorado-amarillento y el cielo brillante y turbulento que se eleva por encima sugieren una promesa, una esperanza: el destino de Roxána al principio realmente llevaba la promesa del triunfo y la elevación. La joven bactriana, cuya belleza se volvió legendaria, conquistó el corazón de Alejandro Magno: en su matrimonio se unieron Oriente y Occidente, el mundo macedonio y el persa.

Pero la esencia de la pintura no reside en el horizonte, sino en la grieta oscura del centro, que alude a la profundidad del principio femenino. Este espacio negro, que el creador evoca audazmente también como símbolo de la feminidad, alude tanto a la fuente de la vida como al remolino de la destrucción.

Una madre, con la posibilidad de la vida, también otorga la obligatoriedad de la muerte.

En la figura de Roxána se encarnan simultáneamente la fertilidad, el amor y la tragedia. La madre que da vida, quien trajo al mundo a Alejandro IV, y también la mujer que finalmente fue encarcelada y víctima de asesinato; así, ella misma se convirtió en una especie de cueva sacrificial, en escenario de vida y muerte. Pero esta profundidad oscura no sólo contiene la corporeidad de Roxána, sino también el lado oscuro y cargado de celos de la relación. Alrededor de ella laten tonos rojizos y carmesí: las llamas del amor, señales de la devoción de Alejandro. Sin embargo, este rojo no es uniforme: a veces brilla, a veces se desvanece, mostrando la pulsación de la pasión y la incertidumbre.

Entre los rojos y negros, manchas turquesa que cortan como luces celestiales que destellan en una herida: simbolizan tanto el breve resplandor de la esperanza como los implacables cambios de rumbo del destino, pero también se relacionan con la presencia espiritual y emocional de Hefestión. Las luces frías no sólo evocan el pensamiento racional y la camaradería militar, sino también la pureza atemporal del vínculo íntimo entre hombres.

En la historia de Roxána, el poder y el amor formaron una mezcla fatal: el don divino inicial finalmente se convirtió en presa de intrigas políticas y luchas de poder entre hombres.

La gama cromática de la pintura - la pasión que arde en rojo, el peligro que cae en la profundidad oscura y el oro que sugiere la promesa del horizonte - resume todo un destino. El negro y el rojo - Roxána: la corporeidad, la pasión, los celos; el turquesa - Hefestión: la amistad, la comunidad espiritual, la pureza; y el oro - Alejandro Magno: el rey, desgarrado por las dos fuerzas, mientras su propio destino también es arrastrado hacia el destino.

La figura de Roxána así no sólo es una figura histórica, sino también un arquetipo: la belleza que eleva y lleva a la ruina; la madre que da y pierde la vida; la reina que encarna tanto el triunfo como la destrucción.

• 50 x 50 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad"
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La pintura es una de las piezas más poderosas y dramáticas del ciclo "Alejandro Magno – misterio y realidad" , donde el encuentro entre mito e historia estalla en la superficie del lienzo como fuerzas geológicas.

La composición está dominada por una franja azul y negra aguda que desciende por el centro del campo visual: el cielo y la tierra se abren para revelar el juicio divino.

Esta grieta no es otra cosa que la metáfora visual del nudo gordiano: el enredo irresoluble que Alejandro desató con su fuerza espiritual y su ingenio estratégico, no con el golpe de espada de la leyenda, sino con la comprensión de los secretos divinos.

La estructura rocosa, dorada en tonos ocres y marrones a la izquierda, evoca el pasado frigio: Gordias, el campesino elegido rey, es decir, el cumplimiento de la profecía divina por decisión de los sacerdotes. El oro aquí es símbolo de la elección, la promesa sagrada, a través de la cual brilla Sabazio, el Zeus frigio. El trozo de tierra ardiente y rojo fuego que aparece a la derecha simboliza la energía de Alejandro, el ardor de sus futuras conquistas: desde aquí parte el imperio que, por la voluntad de un solo hombre, se extiende sobre Asia.

La obra porta simultáneamente las marcas del drama que ocurre en el espacio terrenal y cósmico. El choque de colores y texturas evoca un cielo surcado por relámpagos: no es casualidad que, según la leyenda, Zeus confirmó su satisfacción con truenos y relámpagos tras la resolución del nudo.

Aquí la voluntad divina y la energía humana se funden en una: bajo el pincel de Tamás Náray aparece ese momento en que los hilos del destino convergen en las manos de un solo hombre. El contraste entre el rojo y el dorado porta la promesa de futuras conquistas, mientras que el gris blanquecino es el escenario de la profecía atemporal. Ante los ojos del espectador se revela ese momento mítico en que un hombre se convierte en gobernante, cambiando para siempre el destino del mundo.

"Alejandro en Gordión" no es una simple ilustración histórica, sino una visión arquetípica: la alegoría de vencer lo imposible.

La corona

• 80 x 80 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad"
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La obra no es simplemente la representación de un objeto, sino la alegoría de una época: el poder y la gloria sumergidos en oro, pero condenados a la destrucción. La brillante textura dorada que domina la superficie de la imagen evoca a primera vista el resplandor de las conquistas: esa corona que, con sangre y voluntad de hierro, sometió al mundo bajo su dominio. Pero al observar más de cerca, la superficie agrietada y desmoronada ya es presagio de decadencia: la gloria que el tiempo y el sufrimiento humano desgastan lentamente.

En la parte superior de la composición se alzan formas oscuras y astilladas como picos ennegrecidos o torres quemadas, entre las cuales descienden cascadas de rojo sangre. Estas líneas rojas – gestos marcados y sin concesiones – evocan el precio de la conquista: la sangre derramada que late detrás de cada triunfo. El dramático contraste entre el cielo azul profundo y la cordillera negra intensifica el peso de la imagen, como si el propio cielo fuera testigo de la caída de la corona.

Así, la obra no solo registra la transitoriedad del poder, sino también una verdad atemporal: solo permanece lo que no surge del sufrimiento ajeno. La "Corona" es a la vez un monumento histórico y una advertencia moral: un memento encerrado en oro que invita al espectador a la auto-reflexión.

• 100 x 100 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad"
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A primera vista, el lienzo cautiva al espectador: el resplandor cegador del oro domina el espacio; el mito del imperio se eleva ante nosotros. Esta luz atemporal y envolvente evoca la riqueza y el poder del Imperio Persa, que alguna vez fue el dominio más grande del mundo. Egipto, Siria, Asia Menor, Mesopotamia y la inmensidad del actual Irán se funden en este resplandor dorado; realmente vemos la textura de la eternidad.

La franja roja profunda simboliza el precio de la sangre que este poder pagó una y otra vez. Esta banda no solo lleva el recuerdo de guerras y batallas, sino también el del sacrificio, que está inscrito en el destino de todo gran imperio. Junto a ella, el destello turquesa evoca Egipto y el Nilo, ese río vital que fue a la vez camino, frontera y símbolo divino.

La pintura nos transporta a la época de Darío: la edad dorada del imperio, cuando se construyeron acueductos, templos y sistemas de escritura, cuando los soldados cruzaban puentes de barcos para conquistar nuevas tierras. Sin embargo, la superficie dorada aquí y allá ya se agrieta, se desgasta, y las sutiles sombras de la transitoriedad penetran en el esplendor que lo cubre todo.

Y es entonces cuando aparece Alejandro, quien cruza el Helesponto para enfrentarse a este mundo bañado en luz. El botín, los tesoros, la captura de la familia de Darío simbolizan la transferencia de poder. Pero el lienzo de Tamás Náray no evoca solo historia: la eternidad del oro proclama la inmortalidad del Imperio Persa, que aunque cayó, permanece para siempre en la memoria colectiva de la humanidad.

Esta obra, además de las conquistas, muestra que los imperios no son solo entidades políticas, sino tejidos de cultura, conocimiento, poder divino e inmortalidad, que brillan como luz dorada a través de todos los tiempos.

• 100 x 120 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• VENDIDO

A primera vista, el lienzo transmite paz: un cielo suave y opalino, el silencio plateado de las montañas en el horizonte. Pero esta calma es engañosa. La banda central dorada de la imagen, que se extiende como un rayo divino, no solo porta belleza, sino el instante matinal de una historia. Es el momento en que Alejandro Magno, reviviendo de una herida mortal, tras una semana de inconsciencia, recupera lentamente el aliento. Susurros del más allá lo acompañan de regreso a la existencia: la orden de los dioses de someter a Constantinopla antes de que cierre los ojos nuevamente.

A la derecha de la imagen, el perfil de la ciudad construido con tonos negros y rojos ya es Constantinopla, una fortaleza envuelta en sombras pero aún resplandeciente, promesa y amenaza a la vez. Las manchas rojas, como sellos empapados en sangre, señalan el precio de la misión: la conquista nunca es pura. Los fríos tonos azules y grises que emergen detrás de las montañas llevan el silencio congelado del pasado heroico, mientras que el campo dorado representa la luz extática pero efímera del renacimiento.

Esta pintura es a la vez un homenaje a la fuerza de la voluntad humana y una advertencia sobre el peso de las misiones: el ascenso nunca está libre de pérdidas, y la voz divina no es mensajera de paz, sino de prueba. “El Despertar” no es solo una escena histórica, sino un himno visual a la eterna dualidad del poder y la mortalidad.

• 50 x 50 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra forma parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad"
• DISPONIBLE

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El espectador se encuentra bajo la luz cegadora del desierto: el oro abrasador y las capas de amarillo incandescente expanden el espacio de la imagen; el calor del camino infinito hacia el oasis de Siwa irradia a través de él. La superficie dorada no es solo un reflejo del sol: envuelve las formas centrales que se despliegan como un aura divina.

En el corazón de la composición surge una forma negra y vertical, que se eleva como puertas de templo en el resplandor. Los bloques oscuros de las columnas sagradas evocan las pruebas del camino de Alejandro: la dificultad, la sombra de la incertidumbre interior que tuvo que atravesar para llegar al oráculo de Amón.

Esta sombra oscura es atravesada por un gesto pictórico rojo y otro azul cobalto, poderosos. El color sangre es símbolo del altar carmesí, el color del poder y el sacrificio, otorgado al conquistador por el sumo sacerdocio. El azul, casi metálico y sobrenatural: el resplandor celestial, el sello del dominio sagrado.

Estos dos colores juntos encarnan el misterio del ritual: el encuentro del poder terrenal y divino.

La franja blanca que ilumina la parte superior de la composición representa la fuente de luz de la que hablan las fuentes antiguas: la prueba indiscutible de la presencia divina. La fusión del oro, el rojo, el azul y el negro no es otra cosa que la huella del nacimiento de una nueva identidad, el proceso de convertirse de hombre en hijo de dios.

Esta pintura no representa simplemente un viaje histórico, sino la historia de la iniciación más profunda: el momento en que el rey macedonio se enfrenta al misterio de su propio origen, y cuando en el oro abrasador del desierto nace el “hijo de Zeus”, es decir, en Egipto, el “hijo de Amón-Ra”.

• 50 x 50 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad"
• VENDIDO

La pintura titulada “El santuario de Amón-Ra” es una huella visionaria del misterio de la iniciación. No es solo una referencia histórica al viaje de Alejandro al oasis de Siwa, sino también una evocación escénica del encuentro trascendental: el momento en que el mortal se convierte en hijo del dios Sol.

Las superficies tejidas de oro del cuadro evocan las energías vibrantes de la presencia divina, que envuelven al conquistador como campos invisibles e impenetrables. El semicírculo radiante en la parte inferior izquierda de la pintura es como un disco solar, del cual irradian rayos dorados – como haces de láser – que atraviesan y fragmentan la composición. Estas líneas evocan tanto el resplandor de la luz sagrada como el campo extático de la iniciación.

Las franjas blancas y verdes simbolizan la purificación y la renovación: la blancura calcárea evoca la losa de mármol del santuario, donde el conquistador recobra la conciencia, mientras que el tono verde laguna trae el agua de la vida, el renacimiento. Las grietas negras y doradas simbolizan las pruebas de la iniciación: las tensiones del cuerpo y el alma humanas, sin las cuales no podría establecerse la conexión divina.

La tensión presente en todo el lienzo - las estructuras fragmentadas, la irrupción violenta de los rayos - sin embargo, se funde en armonía bajo el resplandor dorado que lo abarca todo. Así, la pintura se convierte en la alegoría de la transformación sagrada: aquí Alejandro no es solo un conquistador, sino un ser que acepta su filiación divina, elevándose a una verdad de orden superior.

Así, el “santuario” no es solo un espacio, sino un estado interior: el del encuentro con lo eterno, en el que el rey se convierte en gobernante sagrado y el mortal en portador de la voluntad divina.

• 100 x 120 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
• DISPONIBLE PARA COMPRA

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La pintura titulada “La herencia” es la imagen de la conclusión, el resumen final y simbólico de una obra de vida y de una época. La obra aquí ya no muestra el fervor de la conquista, ni la embriaguez de las victorias, sino la dualidad de la permanencia y la transitoriedad.

El casco de barco, que aparece como una silueta en el centro de la composición, alude tanto al arduo viaje de la existencia terrenal como al viaje eterno por el que todo ser humano – incluso un gobernante considerado de origen divino – debe pasar. El barco, que parece surgir de edificios, no es solo un medio de transporte, sino el portador del alma: un símbolo que, aunque azotado por las tormentas de la historia, aún permanece erguido con mástiles rectos.

El velo dorado de niebla del campo pictórico recuerda el origen divino del hijo de Zeus: los rayos del dios Sol iluminan el espacio de la creación. El oro evoca tanto la gloria como la ilusión de la transitoriedad: lo que es tangible se desmorona, pero la luz espiritual brilla eternamente.

La profundidad azul del mar simboliza la infinitud de la existencia humana, ese medio atemporal y devorador de todo en el que solo pueden permanecer las huellas de la herencia. El cuadrado rojo que emerge de las oscuras estructuras del casco del barco es el símbolo de la santidad del altar, la medida final: el único punto que tiene derecho a juzgar los actos terrenales de un hombre – de un conquistador, de un hijo de dios.

Sin embargo, la especial tensión del lienzo se disuelve en paz: en él se encuentran el oro y el azul, lo transitorio y lo eterno, lo terrenal y lo divino. Así, “La herencia” no es solo el epílogo de la historia de Alejandro Magno, sino también la alegoría de la eterna pregunta humana: ¿qué dejamos atrás cuando el cuerpo se desintegra, pero el espíritu sigue viviendo?

• 146 x 96 cm
  
• Óleo-oro-lienzo
  
• 2025, Sitges/Barcelona
• La obra es parte del ciclo "'Imperator Ultimus' Alejandro Magno - misterio y realidad".
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“La puerta” - es el punto final de la serie, la culminación de la historia, donde las conquistas, los sueños y las victorias se desvanecen y solo queda una pregunta: ¿qué nos espera al otro lado? La monumental pintura de Tamás Náray no solo trata del último momento de Alejandro Magno, sino de esa experiencia humana eterna que alcanza a todo mortal.

La puerta de luz que se abre en el eje vertical del lienzo es el símbolo de la dimensión trascendente. El resplandor etéreo, desplegado en tonos dorados y amarillos, parece que la fuerza divina misma fluye hacia abajo, impregnando cada vibración del espacio. El manto dorado y fluido de la región superior – casi como un baldaquino celestial – proclama la presencia del Creador. El fondo verde oscuro y azul, en contraste, evoca el espacio terrenal infinito, oscuro y desconocido del que finalmente emerge el héroe.

La figura solitaria – Alejandro Magno – se encuentra como una pequeña silueta en la luz cósmica. Detrás de él, las puertas de la historia se cierran; ante él, se abre la puerta de la eternidad. En su brazo aún está el escudo, atributo de protección y lucha, pero ahora, antes del paso final, es más una carga que una fuerza. El gesto del escudo parece indicar: incluso el mayor conquistador es humano, y como todos los hijos de los hombres, él también teme a lo desconocido.

Las luces que se reflejan en el suelo sugieren dualidad: evocan tanto el brillo de los triunfos terrenales como la promesa de las luces del más allá. La inmensa monumentalidad del espacio, la fragilidad de la figura y la armonía dramática de los colores enfatizan: la grandeza finalmente se convierte en soledad, y todos deben cruzar la puerta solos.

Esta pintura no es solo el cierre de la serie, sino también una alegoría universal. La puerta – el límite entre la existencia y la muerte, entre lo terrenal y lo divino – es el destino de todo ser humano. Así, la obra de Náray, a través de la historia de Alejandro Magno, evoca la pregunta más antigua de la humanidad: ¿qué nos espera al otro lado cuando la esclusa se cierra definitivamente tras nosotros?